LEVEDAD

 

"La pubertad cercana" obra de Max Ernst

LEVEDAD

Cuando cobijado a tu lado me hallo

entre reflejos que te agrandan,

la naturaleza se abre como una flor

y mi sangre circula enamorada.

 

Siento entonces cómo se alargan

los límites del misterio, cómo

se desvanecen las impenitentes

fronteras del severo desánimo.

 

No entiendo el sentido global

de la vida sí no es, luz inesperada,

mirándome en tus ojos, 

consciente de que vivir es ver, 

palpar, respirar, sentir, amar, 

revelado feliz en tu cuerpo.

 

Al morir el día, al permanecer

pegado a ti en gozoso acto de susurro, 

trasueño, sexo y ternura,

la duda se despoja de lamentos.

 

Quedan trémulos pájaros

vagando por noches infinitas;

quedan ardientes resplandores

a modo de  luminosas estrellas;

la imaginación, exuberante, 

navega libre por el cósmico espacio,

y el amor,luminoso y preciso siempre,

se convierte en sorprendente

talismán, volcán  activo abriéndose

-reflejos de lunas, soles y auroras-

a  los insospechados dibujos y colores 

que iluminan tu rostro.

 

Al aparecer sorprendente el día,

dejas que el viento te eleve...

 

Océanos de luna”

(Cuaderno  VIII. (1984-1987) 

©Teo Revilla Bravo.

EL COLLAGE COMO FORMA ARTÍSTICA, EN KARYN HUBERMAN

 

SERIE ESPERANTO: "Vidindajoj"- Curiosidades. Collage Karyn Huberman

EL COLLAGE COMO FORMA ARTÍSTICA, EN KARYN HUBERMAN

 

      Karyn Huberman es una artista versátil, con una voz distinta, clara y única. Abarca distintas facetas con gran sensibilidad y delicadeza, en estos momentos centrada en la del collage, obra que abarca ya años de  reflexión y madurez. Su trabajo se caracteriza por la coherencia formal, dentro un ordenamiento simbólico que alude a la magia del encuentro de lo real con lo irreal, llegando al acercamiento, al ensueño, al cuento imaginario, a la fábula, a la quimera. Logra con ello abordar, en interesante cambalache efectivo, la búsqueda de una identidad propia con enorme acierto, a través de un cúmulo de imágenes de donde entresaca temas y propuestas universales, como la memoria, la naturaleza, las relaciones; todo ello, a través de gestos, marcas, recortes, claras deformaciones, pequeñas imperfecciones del papel (su gran consejero y colaborador), etc., respondiendo a una forma de hacer eminentemente manual, algo cada vez más difícil de encontrar obnubilados como estamos por las pantallas. Es a menudo esta aparente disonancia provocativa, siempre fascinante, lo que imbuye a su obra dimensiones humanas de proximidad, magnetismo y autenticidad, permitiendo conectar su experiencia analógica con el asombro del espectador.

      A Karyn Huberman no le interesa tanto contar como establecer diálogos abiertos con el espectador -a menudo con cierto sentimiento nostálgico liberador-, de manera que sea éste quien escriba mentalmente el relato en placentera interacción con  las imágenes que observa. El espectador, a la postre, es la pieza clave de todo universo artístico, requiriéndose de él implicación activa en la experiencia creativa, única manera de que ésta adquiera verdadero sentido.

                        

      Karyn, a través de sus libres inquietudes y alborotos mentales por donde vuela la fantasía, llegados de un universo intuitivo, radiante, sorprendente, de sugestivas improvisaciones y fantásticas experiencias, llevada de una sana intuitiva teoría estética del espacio mental, deja que afloren sensaciones, recuerdos y temas, en un ensamblaje de lenguajes gráficos, a menudo aparentemente caóticos  y deslumbrantes en la distribución arquitectónica de los espacios elegidos.

      La intuición expresiva, es la esencia del fenómeno del arte. Karyn Huberman, la posee. 

Barcelona, febrero del 2021.

©Teo Revilla Bravo  

LA PINTURA

 

"Jarrón con flores" 2002. Obra de mí autoría. 

LA PINTURA

 

      Tendemos, pilotados por la curiosidad que se produce al contemplar una obra de arte con sugestiva intensidad, a hacer un juicio de valores que nos sirva para reconocernos de algún modo en ella. Toda obra que ilumina y deslumbra, genera una reacción, un ensueño, una posible historia encerrada, una vivencia reflejada, un hilo conductor hacia algo inaprensible que estimula, siendo fácil que se vuelva a observar y se creen nuevas perspectivas. Toda obra que posee esos efectos, se convierte en nuestra mente en novela a todo color con  capítulos y fábulas impresionantes; si logramos superar las primeras secciones y avanzamos en su lectura, desentrañaremos la narración sabiendo que tras el efecto causado  se abrirán otras historias que serán variantes de la misma. Ese es el valor de la obra cuando excede el “momento” que le concedió el creador. Esa valía emocional, posee la riqueza misma de la vida, estimula a quien tenga el valor de asomarse al asombro y captarlo. El pintor, menos prisionero del lenguaje que el escritor, encuentra la esencia de lo que busca donde en la conciencia la palabra se detiene, mediante la obra nos ayuda a mirar más profunda y poéticamente la vida. Si decimos que la pintura ayuda a la poesía a ser más intensamente ella misma, no nos equivocamos.

       El trabajo del pintor es el resultado de bucear dentro de sí mismo esclavizándose de algún modo para serle fiel a una disciplina que ha de ir mejorando para lograr hacer florecer la exigencia de definir lo que siente. En su necesaria virtud creativa, intenta a su manera ordenar el cosmos, darle cauce y salida, dotarlo de mil colores y entornos, y así cedérnoslo en el vértigo de la línea, el espacio, la forma y los tonos que ha elegido. Intenta crear magias que acaricien, rostros y paisajes que mimen nuestra sensibilidad. Aún sin proponérselo, desea hacernos recorrer paisajes donde poder soñar despiertos un universo de presentimientos y de oceánicos paraísos donde flotar maravillados. Ese artista, como diría Auguste Rodin, es el atento confidente de la naturaleza, el señor de la alquimia, el que dialoga sereno consigo mismo, el ojo que no juzga pero enseña, mediante armoniosos matices, lo que nos dice una flor a través de su olor y de sus delicados pétalos. El ojo no moraliza, no juzga, no critica: el ojo solamente ve. Con esa considerada y delicada visión, el pintor nos devuelve, mediante la expresión y el trabajo, la indagación tenaz de las formas artísticas que a menudo caminando ciegos por la vida se nos escapan.

       Antonio López nos decía que en un árbol está contenido el universo,  que si lo sabemos ver en él se encuentra el universo entero. Y con razón: en nuestra vida cotidiana cualquier movimiento o conmoción, cualquier gesto o señal, llega a convertirse en ritual. Es como si nos iluminara un beatífico fuego que no debemos dejar apagar. ¿Cómo se consigue esto? Con sueños. Creyendo en ellos. Intentando hacer mediante el arte que nuestras fantasías más sublimes y sinceras sean posibles mediante la alquimia en asombrosa trasmutación de efectos especiales, comunicando la meritoria experiencia a otros uniendo así el arte a la vida integrándolo al conjunto de las prácticas artísticas en la cotidianidad de nuestras existencias. 

    Hay que reafirmar el potencial creativo que posee cada individuo y trabajar para conseguir el hombre total, racional, afectivo y sensorial, modelo tras el que intenta avanzar, en su eterna búsqueda de lo absoluto, la misma humanidad.

 

Barcelona.-10.-02.-2014.

©Teo Revilla Bravo.

ES IMPORTANTE

 

Obra de la pintora Nicoletta Tomas, nacida en Madrid, de madre griega, padre español y abuela austriaca. Actualmente reside en Valencia, España.

 

ES IMPORTANTE

Es importante que la misteriosa

inserción de tus ojos en mis ojos

recoja con acierto, acercando

deseos, palabras, soles y lunas,

una sinfonía de anhelos encontrados.

Que cualquier pequeño pormenor,

en el conjunto abierto de tus risas,

en la transparencia susurrante

de tu alma, en los gestos vibrantes

de tu atractivo personal

y aun en tus recelos, desvíos y vueltas

del camino, puedas acompañarme

en la dicha de sentirte aunque no estés.

Y recordar, en esas ausencias tuyas,

cómo despiertas cada mañana

al ladearte hacia mí, algo hermoso

siempre, volviéndote tan pequeña

al recogerte feliz entre mis brazos;

cómo me inclino a pensar que,

puntualmente, atrapas la longitud

de mi instinto para entregarme,

no renunciando al gozo de la pasión,

fecundos regalos, ramilletes virtuosos

de asombros, sueños y entusiasmos.

Océanos de luna”

(Cuaderno  VIII. (1984-1987) 

©Teo Revilla Bravo.

 

EXCEDER LOS LÍMITES DEL LENGUAJE ARTÍSTICO

 

Obra de Lygia Clark, artista brasileña cofundadora del movimiento "Neoconcreto" que era un compromiso con redefinir la relación entre arte y ser humano a nivel conceptual y sensorial, la pintura como campo experimental.

EXCEDER LOS LÍMITES DEL LENGUAJE ARTÍSTICO

 

        Para narrar sensaciones hemos de traspasar de algún modo los límites del lenguaje convencional. Necesitamos nuevos planteamientos pues no hay otro modo de  intentar narrar lo no visible, lo inarticulado o indecible, como es el arte en general. Para escribir sobre tendencias artísticas que no suelen tener explicación lógica, hay que ver la manera mental de poder servirnos de las palabras, mostrarlas en una especie de escaparate y que éste deslumbre.  Se trata de recoger sinergias en cuanto a las preocupaciones y operativos que el artista trató de impulsar en su obra. En cuanto a esto, subrayar la preocupación que genera el espacio, al ser parte esencial donde se deja la experiencia, emocional, mental y  física, en tiempo real. En un momento en que se pasa más tiempo ante pantallas, a menudo exageradamente, el arte manual actúa como herramienta de comunicación ejerciendo una función intermediadora de la que poder seguir beneficiándonos.

        ¿Qué es hoy en día la realidad en arte? Los límites entre el aquí y el ahí son cada vez más difusos, pasan por romper o escapar del aspecto estético fundamental  hasta hace bien poco. Romperlo, es lo que ambiciona el artista en todas las artes desde el siglo pasado sin saber si podrá lograrlo. La evidencia estética en la obra se niega a morir, se transforma más bien permaneciendo el testimonio que obliga al artista a tomar partido por unas u otras opciones.

      Tiempo y espacio en una muestra artística, se convierten en elementos claves para desplegar preguntas que escenifiquen fragmentos de realidad que de otra manera pasarían desapercibidos. Se trata de fomentar diálogos entre distintos proyectos poniéndolos de relieve, construyendo a partir de ellos una perspectiva que reflejen la preocupación emergente sobre las tendencias contemporáneas. El arte evoluciona. Lo hace a través de la mirada -a menudo perpleja- de quien contempla una obra exigiendo progresos. El artista, ante su disyuntiva, cabila sobre qué hacer que pueda llamar la atención para avanzar materializando obcecadas ideas mentales, de forma que logre un trabajo artístico que impacte y se valore.

 

 

Barcelona, febrero del 2121.

©Teo Revilla Bravo  

EL LECTOR

 

"El lector" obra del pintor simbolista suizo  Ferdinand  Hodler

 EL LECTOR

 

        Ser lector es una de las cosas más sobresalientes y maravillosas que me han sucedido en la vida, como sin duda le ha sucedido a todo amante de las letras. Todo comenzó con fábulas y cuentos narrados a pie de cuna, teniendo su continuación en el aprendizaje escolar donde letra y palabra constituían buena muestra de lo que la magia de los sonidos y de los signos pueden lograr alcanzar en un niño imaginativo, sensitivo e impresionable, absorto y boquiabierto cuando le leían en voz alta. Magia en la voz y en la forma escrita, que me llevó  temprano al dibujo de la palabra, ya que lo primero que perfilé sobre papel con un lapicero tras los habituales rayones fueron tímidas apariencias de letras transformadas en ilegibles garabatos; luego llegaría el dibujo. La lectura, la escritura y dibujo y puntura, forman parte esencial de mi vida desde el uso de razón.

            Recuerdo la imagen de mis mayores leyendo novelones, por entregas en aquella época, al pie de lumbre en los largos inviernos cántabros. Verlos y oírlos leer en voz alta, me llenaba de grandes interrogaciones sobre un mundo con enigmas por descubrir. Como si en vez de nacer con un pan bajo el brazo que se dice, lo hubiera hecho con un libro de imágenes descubriéndome página a página lo  sorprendente de la vida.

           En la adolescencia notas que la lectura se convierte en práctica permanente, que no hay ocupación mejor como afición y aprendizaje al ser una actividad que no decepciona y produce satisfacción pues a partir de ella puedes descubrir incontables existencias ajenas  a la propia. Hay una primera etapa en que se devoran libros de manera agitada y descontrolada, y es debido al ansia y a la prisa por conocer autores nuevos asumiendo que hay diferentes maneras de escribir y concebir el hecho literario. Es una etapa revolucionaria en la que no importa mucho cuáles sean los libros y sus autores pues nos hacemos simplemente adictos investigadores de sensaciones nuevas. Las letras, en esa edad, son alimento y aliento del alma para quienes las aman. Con el transcurso del tiempo, uno se va aplacando comenzando a ser selectivo y controlar mejor, al darse cuenta que no todo lo que se escribe es tan bueno ni tan importante como nos dicen y quisiéramos. Los gustos se van refinando y cambiando con la edad. Hay tanto por abarcar disponiendo tan poco tiempo para hacerlo, que hemos de aprender a seleccionar y averiguar aquello que encaja con nuestra sensibilidad tratando de cruzarnos con ese libro mágico que contenga en su interior alma y vida, esa historia que nos haga despertar a inquietudes y a la posibilidad de alargar el inagotable don del saber.

            No sé si hay algún método especial para impulsar el hábito de la lectura; lo que sí sé es que a la literatura, al arte en general, es mejor llegar de  manera personal y sin muchas influencias externas que pueden confundir o alinear ideológicamente en una dirección u otra, algo que atañe al crecimiento y discernimiento de la propia personalidad. Un libro lleva enseguida a otro, y éste a otro. Los métodos de lectura pueden ayudar, pero sin previa voluntad no son garantía de casi nada.

            Siempre hay un libro revelador, un libro sorpresa, un libro que nos aguarda para enseñarnos algo importante seduciéndonos de manera especial. En mi caso, avanzada la adolescencia, fue el hecho de caer en mis manos “Siddhartha” de Hermann Hesse. Siddhartha nos muestra el aprendizaje de un joven con grandes inquietudes espirituales, que va en busca de la verdad y la felicidad. Siddhartha, en ese recorrido vital que presenta la novela, entra en contacto con personajes que le van mostrando aspectos diferentes de la condición humana. En un lenguaje de alto contenido poético con una estructura narrativa diáfana, Hesse logra exponer algunos evidentes efectos del comportamiento humano, abogando por valores morales que necesariamente han de surgir de la libertad individual y la independencia de criterio de cada cual. Tanto por su contenido como por su belleza literaria, Siddhartha se convirtió en uno de los clásicos más leídos del siglo XX. No sé explicar mejor qué vi en ese libro que me iluminó a los dieciséis años, sí que fue revelador, que la vida tras muchas vicisitudes y acontecimientos cumple un ciclo necesario y que mientras se realiza va transformándose uno poco a poco hasta morir enlazado con el todo. Pudo haber sido otro autor, otros libros, pero fue el maestro alemán quien, con su talento demostrado manejado fluidamente con la sencillez de una propuesta literaria significativa y conmovedora, lo consiguió. Hubo otros de manera continuada que sobresalieron por sus grandes manifiestos, incógnitas y secretos, de tal modo que con el paso de los años me convertí en un devorador convulsivo de libros. Hasta de aquellos que parecían imposibles por complicados, confusos o por su efecto intelectual contenido. Leí a autores franceses, alemanes, italianos, ingleses, que me asombraron; lo hice con norteamericanos con mucho celo, pero me quedé sobre todo enganchado a los autores rusos por la importancia que cobraron en mí obras de Nikolai Gogol, Tolstoi y Dostoievski, esencialmente. Por afinidad y cercanía lingüística, me embebí luego, también con placer de lo asombroso del mágico boom latinoamericano, sin olvidarme de clásicos españoles y foráneos.  

            Algo importante: inculcar la afición a la lectura a niños y jóvenes, pues corren el peligro de quedarse enganchados en lo lúdico, universo a veces engañoso que les ofrece lo visual al que recurren con pasmosa facilidad. Que las nuevas generaciones sigan disfrutando del placer de la lectura, ha de ser uno de los fines principales de padres y educadores, que  logren ser luego personas preparadas para entender la vida propia y la ajena que les llega.

           Ser lector significa descubrir, indagar, tener intuiciones, manejarse con sensibilidad, fracasar con unas lecturas y ser premiados con otras, siempre  aprendiendo. Una cosa está clara: una vez hemos entrado a navegar por el  maravilloso orbe de los libros, no podremos ni desearemos dejar de hacerlo.

 

Barcelona.-22.-01.-2014.

©Teo Revilla Bravo.

ALGO SOBRE JUAN RAMÓN JIMÉNEZ Y LA POESÍA

 

"Juan Ramón Jiménez. Obra del pintor vasco  Juan de Echevarría.

ALGO SOBRE JUAN RAMÓN JIMÉNEZ Y LA POESÍA

 

       Juan Ramón Jiménez, en una conferencia precisa y un tanto disparatada, como todo lo suyo, titulada Poesía abierta y poesía cerrada, hizo una distinción entre dos tipos de poesía: la que nos conmueve por su misterio y su gracia, y aquella que parece elaborada  por fino orfebre. “Yo he desdeñado siempre –escribe años después en una carta- y más cada día, el asunto  y la composición. Lo que siempre me tienta es la sensación que un fenómeno produce, la inquietud pensativa y sensitiva que queda después del asunto y antes de la composición; lo que me interesa, es libertar sensación e inquietud. Creo que en la  escritura poética, como en la pintura o la música, el asunto es la retórica, y  lo que queda la poesía.”

        Hay, evidentemente, un mundo de la intuición como hay otro mundo del concepto a la hora de escribir versos. La intuición expresiva, es la esencia del fenómeno poético; la magia y seducción, sus facultades principales. Hay que abandonarse a la onda envolvente del verso, a su belleza, prescindir de la  intelectualidad, y enajenarse en la producción literaria penetrando en la emoción.  ¡Es tan difícil para un poeta cumplir el doble deber de ser intelectual de su arte y prescindir de la intelectualidad cuando ha de enajenarse en la producción artística! Encontrar la elegancia en la sencillez de ser límpido, veraz, reflexivo, es tropezar con la poesía...

 

Barcelona, enero del 2021

©Teo Revilla Bravo 

TU CUERPO

 

"Mujer sentada" 1953, Pablo Picasso. Museum of Art, St. Louis, Missouri

TU CUERPO

De manera inmediata, en el preciso momento,
verbo tomando forma. La vida pasa y nos consume
funambulistas del adiós, sin divisar los límites
de lo inmutable eterno.

Recuerdos, milagros y apariciones constantes,
asuntos de locura, esta magia equilibrista
y enigmática, suspiro de fiel enamorado.

Nacer y renacer gozoso y seducido a la fiesta
de la vida, contigo en entusiasta trayectoria.

Tu cuerpo, alargándose entre realidad y sueño
junto al mío, venciendo la violenta oscuridad
y los saltos al vacío han logrado cubrir el mío,
llenando de amor —singular desnudez del acomodo
armónico que atraviesa el aire— un hondo vacío.

Tu cuerpo, amor en libertad hoy y siempre,
vinculo bello e intenso, definitivo peldaño,
círculo sano y glorioso de febril locura.



“Océanos de luna"
(Cuaderno VIII. (1984-1987)
©Teo Revilla Bravo.

 

  ARTE CONCEPTUAL

 

       El arte conceptual es una tendencia que no ha dejado de ser atractiva, quizás por haber continuado siendo novedosa pese a que apareció en torno al año 1965. Tiene como antecedente al dadaísmo, primer movimiento en  intentar desmitificar el arte. Coge también tendencias, entre otros ismos, del minimalismo. Es un arte -si se le puede llamar así- que intenta apartarse del concepto tradicional que se tenía hasta ese momento del mismo, y lo hace mediante la reducción lo más posible de lo objetivo, pues tiende a ir tras un análisis sistemático de los conceptos y condiciones de lo que se supone es “existencia y esencia”. Podríamos abreviarlo diciendo que el concepto se sitúa sobre la misma materia, o resumiendo que las ideas pueden ser por sí solas verdaderas obras de arte. Para que esto sea así, los procesos ideológicos que intenta realizar el artista, han de llegar a ser asequibles al espectador mediante la extensión de textos, esquemas, dibujos, diagramas o fotografías, todo ello ajustado a la obra ideada  en intento de definir su sentido.

        El arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico inicial, a favor de procesos intelectuales donde el público sea invitado a compartir la obra con el artista. En este sentido, se aparta radicalmente del concepto tradicional de lo que era –y aún es- entendido como creatividad. Mediante la deflación de lo objetivo, tiende a situarse ante un análisis que sea consecuente con contextos ajustados a la idea que se tiene del arte. En ese sentido acaba siendo más que obra en sí, soporte o sustentáculo de la misma. Para que esto suceda, han de predominar los elementos conceptuales sobre los meramente formales, centrándose sobre todo en ambientes cromáticos y luminosos así como en las  variaciones que señala la misma naturaleza en cada ciclo.

        El Arte Conceptual tiene varias manifestaciones, alguna de las cuales voy a tratar (con evidentes limitaciones) de aclarar un poco:

        -El Body Art nació a finales de los años sesenta. En esta modalidad el artista investiga su propio cuerpo como materia artística y medio de expresión. Puede ir desde acciones que rozan el sadomasoquismo, hasta la formación de esculturas vivientes con su atractivo visual.

        -El Happening -del inglés suceso o acontecimiento- designa una manifestación, en la que el autor pretende implicar al espectador sorprendiéndole favorablemente al usar elementos que no le dejen indiferente.

     El Arte Povera, es el arte pobre, precario. Podríamos decir también, que antiinformal, al que se le presupone que está en contra de todo lo que huela a comercial y productivo; o sea, un arte consecuente. El arte Povera se realiza con materiales que se pueden hallar retirados,  desguarnecidos o  vacíos.

     -Al Land Art se le conoce como el arte de la tierra ya que se construye a través de la misma naturaleza de la forma más ecológica posible. Busca criticar seriamente los daños que el hombre provoca en el entorno natural.

        Desde los años cincuenta, y sin altibajos, el mundo de las artes visuales vive el cierre de la modernidad para iniciar el de la contemporaneidad, camina en busca de una nueva realidad. Se habla desde hace tiempo de la muerte de la pintura, e incluso del mismo arte. Lo que sí parece cierto, es que con el cambio de época la pintura y la escultura dejan de reinar sobre las bellas artes al aparecer disciplinas novedosas así como medios y soportes, objetos, construcciones, instalaciones, vídeos, ambientaciones, intervenciones.…, con el único fin de que lo expuesto deje de parecer y considerarse precisamente arte. Los protagonistas trabajan sobre elementos cotidianos como desechos industriales: vidrios, luces, filmaciones, textos, etcétera, proponiendo experiencias corporales y sensoriales, recogiendo ideas y conceptos que se  combinen con poéticas de novedosas figuraciones como el pop, el minimalismo, el neosurrealismo y la geometría.

        Este arte se realiza y presenta de  forma extravagante, pues no deja de ser una manera de llamar la atención en un intento por representar la realidad de tal forma que al expresar sus sentimientos el artista invita a ir más allá de lo que lo hace la fotografía, la escultura o la pintura.

        Uno de los primeros ejemplos que suele salir a relucir al hablar de arte conceptual, es el conocido como “Una y tres sillas” de Joseph Kosuth, artista norteamericano que en 1965 creó una obra consistente en una silla plegable de madera, una fotografía de la silla, y una ampliación fotográfica de la definición silla extraída del mismo diccionario. Con todo esto buscaba que el público contestase en cuál de los tres elementos se encontraba la identidad del objeto expuesto: ¿en la cosa u objeto mismo, en la representación de la cosa u objeto, o en su descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos,  o en ninguno? He ahí la cuestión que se planteaba. En fin: todo un poco o un mucho natural en esencia, pero de alguna obtusa manera complejo.

 

Barcelona.-enero.-2014

©Teo Revilla Bravo

ARTE CONTEMPORÁNEO

 

"Amarillo-rojo-azul" Obra de Vasili Kandinsky (1925)

ARTE CONTEMPORÁNEO  

 

        El arte contemporáneo, al extremo de su libertad y hasta de sus mayores audacias, queda unido por mil cuestiones con el pasado, con todos los pasados. Agudiza una combinación de ecos y estimula futuros prometedores. Aunque sea en parte  dependiente de épocas anteriores, no quiere decir que no esté provisto de una génesis propia que le identifica.

      El arte es siempre una aventura. Una aventura que no todo espectador de buena fe entiende de primeras al plantarse ante una obra contemporánea sin un mínimo de preparación. Es muy probable que le parezca oscura, ininteligible, rara, o incluso fea y provocativa. En esto, como en todo, se necesita un rodaje, una preparación, una afinidad, una predisposición. Los que son receptivos lo aceptarán y  admirarán sin dificultad al no notar abismos ni rupturas sino una transición con mensaje (simbolismo ineludible, lógica de lucidez), en un fluir constante hacia la tópica plenitud.

        La creación, bien entendida, constituye un ritual, el de sondear misterios que trascienden obra e individuo. 

Barcelona, enero del 2021. 

©Teo Revilla Bravo