ENTRE PALABRAS Y SILENCIOS

martes, 29 de mayo de 2018

NO OBSTANTE


"Los amantes"  De René Magritte


Esta obra fue pintada en el año 1928 por Magritte, sin duda uno de los representantes más destacados del surrealismo. Es una obra que provoca y causa extrañeza a quien la ve, y una de las que más interpretaciones despiertan en torno a su significado.










NO OBSTANTE


Este vive-muere, veloz sensación

que nos desgarra por dentro,

se nos crece a veces como credo

ciego que anida en el ánimo 

con el efecto abrasivo de un tiempo 

perverso que va paralizando la tarde 

en umbría muerte.Torbellino, 

desplome de ilusión, durísimo instante 

donde nada cuenta como no sea

una vez más sentir el efecto-afecto

acre de perderte y perderme

entre ruinas y equívocos que no parecen

resistir porque sí y sin más otra

catástrofe. Cruje el instante rumiando

sombras, aplastado sin piedad

como el insecto lo es por el pie

de su cruel asesino.

 

No obstante la luz trepará resuelta

de nuevo por la espesa enredadera

de la fachada del afecto, 

para salvaguardar la suavidad diáfana

de los cuerpos entregados al instante

mágico de la azotea y del abrazo,

ahí donde al absorberse la luz crepuscular

progresan sueños y ternuras.




“SOLEDADES” (Provisional)
 Cuaderno  XVIII ( 2013 al 2014)
©Teo Revilla Bravo.









viernes, 25 de mayo de 2018

PETE SEEGER, UN MÚSICO ESPECIAL


El músico de folk estadounidense Pete Seeger






PETE SEEGER UN MÚSICO ESPECIAL


Pete Seeger es, para mí, un músico especial. Quizás por el momento, primeros años setenta, en que tuve la suerte de descubrirle justo cuando aprendía los primeros rasgueos de una vieja guitarra que en suerte cayó en mis manos. Este autor, personaje central de la cultura musical estadounidense, comenzó su andadura artística en la década de los 40, siendo miembro de bandas como The Almanac Singers (en la que también militó Woody Guthrie) y The Weavers. Cabeza visible del folk, algunas de sus canciones más famosas son Where have all the flowers gone?, If I had a hammer (The hammer song), We shall overcome y Turn! Turn! Turn!, que iluminaron el folk norteamericano de aquellos años.

En 1944 grabó el EP “Songs of the Lincoln Battalion”, En este álbum incluyó canciones populares del Ejército republicano español como There’s a valley in Spain called Jarama y Viva la Quince Brigada (la famosa ¡Ay, Carmela!) en un claro posicionamiento con la maltratada República española. Tuvo influencias de los cantantes del American Folk -sobre todo de  Woody Guthrie al que consideró su gran maestro-,  indagando fervientemente en el repertorio popular, de donde rescató temas de la primera mitad del siglo XX y del siglo XIX  relanzándolos con  valores del momento, canciones que luego se han hecho inolvidables. Pete Seeger tuvo  mucha influencia en otros artistas, como el mismo Bob Dylan,  Don McLean, Joan Baez, o Bruce Springsteen.  'We shall overcome en su voz, se convirtió en todo un himno. 

Como tantos otros inquietos intelectuales de los cuarenta y cincuenta, tuvo la desgracia de ser acusado y llevado a juicio ante el Comité de Actividades Antiamericanas, por su activismo político muy cercano al partido comunista norteamericano del que renunció después al enterarse de la magnitud de las atrocidades cometidas por el dictador Stalin. Hubo de esperar hasta el año 1994 para recibir la Medalla Presidencial de las Artes, y en 1997 el Grammy en la categoría folk.

Barcelona, mayo de 2018. 
©Teo Revilla Bravo.



Aquí dejo el tema 'We shall overcome,  para aquellos que quieran recordarlo:






jueves, 24 de mayo de 2018

PARPADEO DE LUZ


Fotografía del actor Steve McQueen


        Steve McQueen fue un actor con un halo misterioso. No es fácil encontrar fotografías suyas donde se le vea alegre, displicente o sonriente; al contrario: siempre se le halla un semblante de enfado, contrariado o apesadumbrado. Aunque quizás solo se trate de una impresión personal. Lo que me ha dado pie para elegir esta fotografía -desconozco autor- como reclamo visual  del poema.









PARPADEO DE LUZ


Flotan en el aire, frágiles madejas de luz,

donde se enreda sin darnos cuenta la vida 

encerrando presagios, desesperos,lamentos.

 

Siento pasar la vida algo alicaído y pasmado

esta tarde. Como desmayado estoy ante 

la aparición de un secreto recién desvelado

de esos que te dejan atónito al momento.

No noto la infinita bondad de dios,

ni la de los alígeros pájaros de fuego

revolotear alrededor del verde álamo,

ni la mínima interferencia de claridad

en el ánimo. Por lógica debería morirme 

ignorante, recogido a ser posible por piedad

en brazos bienhechores. Sin embargo,

en esta sensación de abandono que ahora

Experimento, me veo, entre las brumosas 

madejas del aire, ineluctablemente viejo.

 

Quizás todo esto sea un grito desgarrador

proveniente de un inmaduro hartazgo, 

un mal sueño a la hora del ángelus, 

una dispersa niñería o inocente palmo,

una sensación de desidia mal avenida,

o un enérgico parpadeo de la luz llegado

Sin aviso entre las manchas del tiempo.




“SOLEDADES” (Provisional)
 Cuaderno  XVIII ( 2013 al 2014)
©Teo Revilla Bravo.






lunes, 21 de mayo de 2018

LAS RIQUEZAS DEL CÓMIC



El primer dibujante de Lobezno  fue el norteamericano Herb Trimpe, ya fallecido.







LAS RIQUEZAS DEL CÓMIC

No es fácil hablar, al menos para mí, de una actividad artística como es el cómic, actividad en la que soy profano, consciente de que para serlo hay que ponerle mucha voluntad imaginativa -también literaria-, constancia y actitudes; lo hago desde la admiración que estos artistas me producen, y tímidamente. Las técnicas del cómic son tan abundantes, como considerables son los artistas que con tanto esfuerzo y mimo las practican. Como en cualquier campo artístico, cada dibujante de cómic que  desee sobresalir, ha de ofrecer su propio código visual, ético y narrativo, distintivo donde ha de ir expresa una personalidad interesante y a ser posible arrolladora que lo haga reconocible.
Todo evoluciona. El cómic, también. Y lo ha hecho, por fortuna, experimentando saltos cualitativos, gracias a un puñado de agrupaciones, pequeños colectivos y editoriales de revistas, que han ido afanadamente dando cabida a autores (no doy pistas de los mismos, Internet ofrece amplias muestras) que además de reforzar sus atrevimientos individuales, han sabido generar dinámicas de adaptación, mutaciones llegadas a través de saber recoger influencias de otros artistas alejados en el espacio vital. Todo ello acaba por definir un marco artístico renovable, donde todos pueden beber de él y beneficiarse, manteniendo la expresión libre, cambiante e inagotable de lo creativo, que ese es al fin y al cabo el camino que debe conducir al arte.

Barcelona, mayo de 2018.
©Teo Revilla Bravo

jueves, 17 de mayo de 2018

PROLONGADO SILENCIO


Pintura de Elizabeth Friend 


 A esta artista tinerfeña, como buena creadora nata que es, le gusta hacer mezclas de materias: óleos, acuarelas, lápices, raspados, ceras,o cualquier otro elemento que tenga a su alrededor y le inspire...









PROLONGADO SILENCIO

Sé que esta tarde -al llegar lo vi en tus ojos- 

estabas preocupada por mí.

 

No lo estés:

                    tu afectoni pactos, ni renuncias

es el abrigo ideal donde cobijarme ante

la inclemencia exterior; tu presencia,

luz que se posa perezosa reflejando lo hermoso 

del ciruelo y del manzano que aún mantienen 

primaveral luz y sueñoel huerto del ensueño.

 

Continuidad. Beneplácito. Hogar.

Canto velado de pasión y dicha.

 

Los espacios preferidos,

las flores en el jarrón,

la sorpresa de un poema escrito a hurtadillas

posado sobre la mesa del escritorio o pegado 

con cuidado en el espejo del recibidor...

 

Y quizás celoso, muy celoso,

ese prolongado silencio de bruma anaranjada

que va interpretándolo todo  transitando

mariposa de serenidadpor la intimidad,  

mientras va borrando en mí las ganas que traía 

esta tarde de llorar.



“SOLEDADES” (Provisional)
 Cuaderno  XVIII ( 2013 al 2014)
©Teo Revilla Bravo.




lunes, 14 de mayo de 2018

PASIÓN VORAZ Y DELIRANTE DE VAN GOGH



Autorretrato de Van Gogh










PASIÓN VORAZ Y DELIRANTE DE VAN GOGH


Van Gogh fue un artista maldito, profundamente infeliz, cuya existencia, lacerante, dolorosa, de soledad desesperada, influyó decisivamente en su manera de concebir la pintura. Ésta refleja, fielmente y con claridad, el drama de una existencia conmovedora; el cataclismo, obra a obra, que se iba proyectando sobre la vida del pintor. Van Gogh gastó su existencia en la búsqueda consumida y desesperada por hallar lo absoluto, y nos legó una obra excepcional. No es posible presenciar y prestar atención a su obra ignorando la existencia del hombre que la creó, pues va íntimamente relacionada. Su larga lucha contra las vicisitudes de su tiempo como fue la  familia, los amigos, los  amores, la miseria propia y ajena, la incomprensión y las  dificultades para lograr hacer valer su arte (no vendió un solo cuadro en su vida), le condenaron al desajuste, a la locura, al manicomio: “Lucho con toda mi energía para dominar mi trabajo, diciéndome que si gano éste será el mejor pararrayos para mi enfermedad”, se lamentaba.

Una lucha desesperada sin duda, y una desventura que no acabó para su desgracia nunca. Sin embargo, ganó posteridad gracias al triunfo de su constancia y de su singular imaginativa creación, a la que le favoreció el descubrimiento del impresionismo parisiense. Esto, paradójicamente, le permitió  el acercamiento a lo más elemental del ser humano  como es el contacto con la naturaleza, el campo cercano, las flores, el café de la plaza, la noche estrellada, los cuervos sobre el trigal, la habitación, los zapatos, libros, muebles… Todo penetra en sus cuadros con fuerza, pasión y desahogo, como penetró su exaltación ante los paisajes y la luz de Arlés y Auvers-Sur-Oise donde residió largas temporada. Podemos incluir también sus autorretratos, ese rostro peculiar tan familiar para todos sus admiradores, donde leemos como en un libro abierto sus angustias, su precariedad económica, sus desencuentros, sus fuertes desórdenes mentales que le llevarían al suicidio.

Cada pincelada que pone en la tela Van Gogh, grita la urgencia y la gravedad por solventar su angustia e interrogaciones. Y es, a través del color y de la  pincelada única donde sitúa los más altos recursos, llevando al paroxismo y al arrebato los matices que presentan lo que pinta, que no son otra cosa que reflejos creativos, expresión de sus sentimientos más exacerbados. Los colores vibran, irradian, resplandecen, gritan; y la pincelada, contundente y desequilibrada pero uniforme, chorrea color a un ritmo tan poderoso que pareciera arrastrar con ella todos los elementos pasionales de lo humano y lo divino. Genial.   


Barcelona, mayo de 2018.
©Teo Revilla Bravo.




miércoles, 9 de mayo de 2018

ARTE ACTUAL…


Obra del pintor madrileño José Manuel Merello



Nos dice el pintor:   ”Yo reivindico a los pintores humildes. La pintura no necesita tanta pretensión intelectual, debe brotar del alma limpia del hombre, del ojo claro y puro del pintor…”.

La pintura de Merello posee, a mi entender, fuertes vibraciones positivas, tanto en sus pinturas expresionistas como en sus collages. Toda su obra está plena de magia, de energía, de tonos fuertes, de viva luminosidad,  de esa poesía enigmática siempre necesaria en arte.







ARTE ACTUAL…

“Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma”. George Bernard Shaw, escritor irlandés


El artista debe pertenecer a su tiempo, o lo que es lo mismo: Il faut être de son temps», frase pronunciada al parecer por Honoré Daumier, caricaturista y pintor francés de la época realista, allá por finales del siglo diecinueve. El caso es que el dicho se convirtió en lema de los naturalistas, en momentos en que todo arte parecía girar en torno a Coubert y Manet.  Pero, ¿qué significa ser pintor de su tiempo? ¿Se han de seguir escrupulosamente las novedades que marcan las llamadas vanguardias? ¿Hay que romper como sea, hacer un cambio radical en cuanto a la percepción del arte que uno mismo fue mamando desde que nació, dándole credibilidad a impulsos artísticos creados por medios con el poder suficiente como para tratar de imponerlos? ¿Es el arte actual un método o modelo con el que hay que comulgar se quiera o no? ¿Se ha de reformular el trabajo que uno hace e incorporarse a lo que –dicen- es estar al día? ¿Hemos de pintar todos igual o parecido? Algo así, recordemos, pasó, años cincuenta, con la abstracción, a lo que afortunadamente no se dieron por vencidos muchos pintores manteniendo el arte figurativo, su estado y situación, con obras hoy aún sorprendentes.   
El contexto del arte actual no pertenece a ninguna tendencia. Es, debe ser, libre, generoso, abierto. Nadie tiene la exclusiva del arte. Sería pedante pensarlo así. Todo concepto es ambiguo y a la vez válido para que actúe con libertad la diversidad de argumentos, tendencias que afortunadamente, día a día, no dejan de florecer e impresionar. El arte reside en la capacidad que posee el artista para contrarrestar y comparar la realidad que le llega de afuera, con la que maneja a través de lo que le fluye directo por su espíritu. La autonomía creadora sin cortapisas ni condicionantes, la espontaneidad, el penetrar en las cosas e indagar propiciando la inventiva, sirven para buscar los acordes múltiples que se unen en sinfonía, para implicarse en ello e intentar aumentar el universo de los valores artísticos. Luego la opción personal, es el ideal, lo que debemos alentar en los jóvenes que se sienten atraídos por el mundo creativo. La obra de calidad, de espontánea frescura, arriesgada, poética e independiente -a la vez que conecta con otras-, intrigante, mágica y cotidiana, es lo que debe contar a la hora de generar arte; eso sí, tras conseguir un dominio más que elemental de las técnicas correspondientes. Lo demás, a mi humilde entender, son absurdas especulaciones, fatuas credenciales, insensatez, falta de respeto y tolerancia. En todo caso, es el espectador, en última instancia y para sí, quien tendrá la oportuna palabra. 

Barcelona, mayo de 2018.
©Teo Revilla Bravo.




lunes, 7 de mayo de 2018

SI TE SIENTO



"Delante del espejo", obra de Edgar Degas realizada sobre papel. 

Casi la totalidad de las producciones que realizó de este genial pintor francés, muestran bailarinas o escenas relacionadas con el ballet. Del resto de sus obras también la mayoría representan,  principalmente o exclusivamente, a la mujer como tema primordial Por lo tanto, la mayoría de dibujos pinturas y grabados de este pintor, están dedicados a ellas.







SI TE SIENTO


Si te pienso, brillan los ojos de las estrellas

más distantes; el universo más profundo

y fugaz, se inunda de luz; todo se repliega 

en el resplandor alborozado de tu sonrisa.

 

Si te pienso me viene poco a poco

la calma anhelada y en el paisaje absoluto

del alma se expande, hermoso, brillante,

un luminoso arcoíris que viste y reviste

de suaves tonalidades el atardecer.

 

Si te pienso, pondero el paraíso del goce

y la pasión con la portentosa fuerza

de un huracán, sintiendo que la tristeza,

barrida por templados vientos,

cae abatida; que los hilos de mi historia

personal se entrecruzan con los de la tuya, 

bordándose ambas en súbita desbandada 

de alegres sisellas a vuelo de brisas.

 

Ritmo, polifonía de luz que enmudece

llantos, singular beneficio de gozar

prodigiosos designios de amor y vida..



“SOLEDADES” (Provisional)
 Cuaderno  XVIII ( 2013 al 2014)
©Teo Revilla Bravo.





martes, 1 de mayo de 2018

LABOR DE AUTOR

Chales Baudelaire pintado por Emile Deroy

Una anécdota sobre el poeta:
Todos sabemos que la obra más importante de este poeta francés es una recopilación de poemas, "Las flores del mal", poemario que se publicó en el año 1857. El gobierno francés acusó a Baudelaire de alentar contra la moral pública por su contenido, multó al poeta, y le censuró seis de los poemas originales que no pudieron aparecer ni en ediciones posteriores, a pesar de la defensa del poeta que hizo el mundo literario francés en general. Esta censura estuvo presente hasta casi cien años después. Fue en 1949 que pudo publicarse íntegro el libro.








  LABOR DE AUTOR
                              
                                        Algunas consideraciones.


La amplitud de la labor literaria es consecuencia de la dedicación del autor a una continua obra en marcha -especialmente en el género de la poesía-, en el marco de una vida en constante transformación. Una vida y una poesía que configuran un extenso episodio de la historia de la cultura personal, en proyección abierta al otro bajo el prisma inconfundible de lo íntimo. Por eso la obra poética –en realidad cualquier honesta obra artística- es un sincero esfuerzo, un logrado y entusiasta resultado que ha de ser realizado sin complejos, con cierto conocimiento e intuición de las claves que se han de seguir. El poeta o creador debe cautivar y apasionar al lector o espectador, con una labor sintética, sólida y encomiable, eso que podría denominar como la pasión perfecta, esa obsesión por la elaboración de una obra en constante disputa con el propio temperamento.

Indagar desde dentro, es como desbloquearse poco a poco puliendo y limando los sedimentos que nos va dejando la vida. Penetrar, dar con ello, discernir, meditar, estudiar y contemplar con rigor, con el fin de ir entendiéndolo en hallazgo propio a través de una práctica de autoanálisis, poetizando las huellas que nos va dejando la vida; transparentándolas en lo posible como labor arqueológica, elaborando una obra artístico-literaria que sea un reflejo más de lo que compone nuestro bagaje personal vital. Catarsis  lo llaman. Limpieza, sensación de libertad al dejar libres miasmas y desarreglos mientras se van acallando los gritos interiores siempre irresolutos.

Esta labor de autor, ha de hacerse silenciosa y honestamente, sin tremendismos ni fatuos lirismos, con voz auténtica y sincera, pues al final, lo que interesa de verdad al poeta no es la poesía, que sí, sino la vida, entender la vida, su propia vida intentando comprender, en ese contexto, antes al hombre que al literato o al artista. Al interesarnos la vida como algo fundamental que hay que lograr comprender, el arte se ha de concebir así mismo como algo vital, no como un producto enlatado de laboratorio donde se discriminan los contenidos suscitados por la intuición y el sentimiento. Enseguida, al leer, ver o escuchar, comprobamos quien llega con sus versos o sus obras de un sitio –de la vida- o del otro –del laboratorio-. Yo, personalmente, me quedo con la emoción liberada del primero, puesto que el poeta –si retomamos la poesía- no debe emplear tanto los vocablos para evocarnos representaciones intelectuales y utilitarias, como para trasmitirnos un estado de ánimo traducido en sentimientos.

Introspección. Búsqueda de oscuros intereses en las subterráneas galerías interiores. Emociones que hemos de libertar trasformadas en luz. Comprometernos con nosotros mismos en esa traslación de dentro a fuera, para ir  ganando en escritura u obra orgánica y sincera. Es una cuestión de tiempo, de sedimentación y de poda de la frondosidad arbórea del bosque nuestros recuerdos. En este sentido el escritor –o artista en general- es un asceta, un contemplativo, un virtuoso de la penitencia y del pensamiento,  cuyo fin es elevarse hacia la paz, pues con frecuencia sufre de las iras del espíritu. Todo lo demás está subordinado a esta conquista. El poeta tiene que buscar lo inasible, luchar para retenerlo, y dar así razón a la existencia asegurándose la posibilidad de pervivir, ya que sabe que se encuentra solo en torno al mundo y al poderoso silencio interior. Y asumir que hay que llamarlo a gritos, despabilarlo, sacudirlo, movilizarlo a golpe de cincel, pluma, pincel…, lo que sea y como sea, desplegando voluntarioso las alas creativas de los anhelos.


Barcelona.-15.-junio.-2009.
 ©Teo Revilla Bravo.